Teckning

Allt om stilleben

Allt om stilleben



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Stillebenmålning

Stillebenmålningsgenren är lika mångfaldig som dess historia är lång. Från egyptiernas tid då målningar av mat och värdesaker avbildades på gravväggarna till golvmosaikerna och väggmålningar av Pompeji till högrenässans konstverk till nutida stillebenmålning i dag, har genren alltid varit en som konstnärer vänder sig till igen och igen.

Objekt som stillebenmålare tvingas mot är också lika varierande, från föremål i den naturliga världen till de som är utformade av mänskliga händer. Genom dem formulerar stilleben konstkompositioner idéer om lyx och överskott, religiös symbolik, personliga såväl som allegoriska utforskningar och universella mänskliga reflektioner om liv och död.

Stilla livskonsten är konstnärer som konstnärer har åtagit sig genom århundraden för att konstens väsentligheter kan utforskas inklusive färg, form, komposition och ljus. Konstnärer kan se till den unika genren efter de svar som målare för evigt försöker hitta.

Skaffa din gratis e-bok med målningstekniker för stilleben! GRATIS och exklusivt för Artist Daily eNewsletter-prenumeranter. Ange din e-postadress i rutan nedan för att få dina gratis e-böcker plus e-nyhetsbrev om tips om målning med stilleben och mer!

[fw-capture-inline-kampanj = ”RCLP-bekräftelse-stilleben-målning” tack = ”Tack för nedladdningen!” intresse = ”Art” erbjudande = ”/ wp-content / uploads / pdfs / StillLifeUpdate.pdf”]

Still Life Oil Paint Demo

Ismael Checo använder rik färg för att skapa en exotisk och intensiv upplevelse av världen. Här presenterar vi en online exklusiv målningsdemo för stilleben som ett exempel på hans oljemålningsteknik.

Checos material

Palett

Oljefärger från olika tillverkare inklusive Holbein, Winsor Newton och Gamblin

borstar

Borstar av borst och sabel från olika tillverkare

Stöd

Mestadels blyprimerad linne och ibland en panel av MDF-skiva grundad med akrylgesso från Liquitex

Medium

En blandning av stativolja och gummitpentin

Lack

Som en sista lack, Rembrandt syntetisk lack från Talens

Steg 1
Konstnären börjar med att rita med en tvätt av ultramarinblått, bränd sienna och flingvitt. Skuggorna tvättas in för att skapa en enkel grisaille-återgivning av motivet massat till de enklaste och tydligaste formerna.
Steg 2
Med hjälp av en borst borste applicerar konstnären färg i breda streck för att fastställa de viktigaste förhållandena i kompositionen.
Steg 3
Genom att arbeta långsamt och ägna stor uppmärksamhet åt färgintrycket vid varje punkt i bilden gör konstnären enkla, tydliga uttalanden som blandar och placerar en färg åt gången. Konstnären är benägen att överdriva färgens mättnad något med förståelsen att han kommer att kunna gå tillbaka senare och lägga till grått om det behövs. Även om konstnären gör en del blandning och snubblar med borsten, är han noga med att inte överarbeta bilden.
Steg 4
I vissa fall kommer konstnären att byta till en sabelborste mot slutet av målningen för att uppnå ett mer delikat och mer framfört färdigverk.Den avslutade målningen: Demonstration av stilleben2003, 10 x 15½. Samla konstnären.

Ställa in Still Life Art Standard

Holländskt stillebenmåleri satte standarden för virtuositet utanför denna värld under 17th århundrade, och jag kommer aldrig att komma över den ovanliga blandningen av föremål som dessa konstnärer valde att skildra: mat av alla slag, polerat bestick och glänsande glas, broderade och kraftigt bearbetade dukar och ton och massor av blommor.

Det jag ibland glömmer var hur symboliska alla dessa föremål var för publiken som hade tillfälle att se dem för alla dessa år sedan. Och det är också intressant att konstatera att konstnärer ofta medvetet valde att skildra föremål som kan vara en utmaning att måla som ett sätt att visa sina målningsfärdigheter.

All denna symbolik och önskan att visa upp resulterade i en hel del målningar som ser över toppen och lite oerkliga. Ta exempelvis blommor för stilleben. Målning av blommor var ett populärt fokus under den holländska målningens guldålder. Symboliskt sett var konstnärer och tittare intresserade av naturen av en blommans existens - från nyklippt och blommande till visnande och döende - på grund av den underförstådda ”moraliska” lektionen bakom verket, nämligen att livet är flyktig och död, en säkerhet.

Men färska blommor i en målning var också ett tecken på högsta lyx. Under 17th århundradet, att ha en bukett blommor var praktiskt taget okänd i även de rikaste hushållen. I de flesta nederländska hem visades faktiskt inte blommor på det sätt vi är vana alls. Istället visades blommor en efter en i små vaser eller tulpanhållare utformade specifikt för att hålla relativt få blommor.

Skaffa din gratis e-bok med målningstekniker för stilleben! GRATIS och exklusivt för Artist Daily eNewsletter-prenumeranter. Ange din e-postadress i rutan nedan för att få dina gratis e-böcker plus e-nyhetsbrev om tips om målning med stilleben och mer!

[fw-capture-inline-kampanj = ”RCLP-bekräftelse-stilleben-målning” tack = ”Tack för nedladdningen!” intresse = ”Art” erbjudande = ”/ wp-content / uploads / pdfs / StillLifeUpdate.pdf”]

Genom att skapa denna typ av otroliga blommamålningar som skildrade otroliga buketter som de flesta tittarna inte någonsin kunde hoppas att se personligen eller ha i sina hem, åstadkom konstnärerna två saker: Den ena påpekade artifice av sådana skärmar som en påminnelse om att livet handlar inte bara om lyx och att lägga butik i sådana saker är slöseri. Men de undergrävde också just detta budskap - genom att visa sådana vackra buketter till en början var de väldigt frestande tittare att köpa målningen, i huvudsak förmedla idén att du inte kan ha så lyx i verkliga livet, men den här målningen kommer att ge dem för dig och blommorna i den här målningen kommer aldrig att dö.

För att vi ska betala traditionen med holländsk målning framåt och att vara en del av denna engagerande och fascinerande stii life-genre betyder det verkligen att förstå motivationen för konsten och det tekniska utförandet som det tog för att få till de fantastiska slutverken och arbeta mot målningen grunden för att vi ska ha våra egna konstnärliga guldåldrar.

Fokuspunkter när man målar fortfarande liv

Det kan vara svårt att bestämma var elementen ska placeras i en målning, men besluten är avgörande för att skapa ett framgångsrikt stilleben. När en komposition görs bra kan den bli obemärkt. emellertid slår ett dåligt sammansatt stycke direkt tittarens öga lika besvärligt. Målet med en stillebenkomposition är att rikta tittarens öga genom en målning och leda dem mot det konstnären tycker är viktigt. Även om det inte finns ett enda rätt sätt att göra detta, finns det specifika apparater man kan använda för att dra en tittares öga till en intressepunkt, liksom för att skapa en illusion av föremål som finns i det konkreta rymden.

Många första målare tenderar att ägna sin energi åt att rita och måla föremål exakt och har svårt att skapa en stark komposition. "Det är lätt att bli överväldigad av alla möjligheter," säger konstnärinstruktören James Sulkowski, som lär ut plein air-workshops för att hjälpa eleverna att övervinna rädsla för beslutsfattande. Vissa artistinstruktörer föreslår att man använder en sökare, som många konstnärer använder när de står inför en stor scen. Man kan köpa en sökare i valfri konstaffär eller göra en enkel kartong. Oavsett material tjänar det samma syfte: en sökare gör det möjligt för en konstnär att isolera nyckelelementen i en scen, såväl som att se flera kompositioner innan de begår en till papper.

När du står inför en stor scen är det bra att ställa flera frågor. Varför vill jag måla den här scenen? Vad lockade mig från början till det? Vilket innehåll behövs för att locka tittaren och få dem att känna vad jag känner? När dessa frågor besvaras blir det uppenbart att en given scen inte är i sten. En konstnär kan ändra scenen så att den passar de känslor eller meddelanden han eller hon vill dela med tittaren. Ett stillebenporträtt är tänkt att skapa fantasin och väcka sinnen; det ska vara en bild som tigger om att måla eller ritas. Om ett visst område eller bild inte är tilltalande, ändra platser eller välj alternativa motiv. Eller så kan man beskära en scen snävt och fokusera på små detaljer som ofta går obemärkt i en stor scen.

Sulkowski rekommenderar att eleverna bestämmer brännpunkten innan de applicerar borsten på duken. ”Oavsett omständigheterna behöver en konstnär identifiera brännpunkten i hans eller hennes målning och sedan strukturera målningsprocessen så att tittaren omedelbart förstår intressens centrum. När man målar en plein air är det mycket viktigt att ha detta fokus i åtanke så att tid och energi inte slösas bort på utarbetande områden på duken som är av sekundär betydelse. ” Detsamma gäller också när man målar ett stilleben.

Nashville konstnärsinstruktör Gayle Levée har sina verkstadsstudenter tillbringar timmar med att ordna element för att skapa den bästa kompositionen. Hon rekommenderar att de ursprungligen sätter ihop fler föremål än de tror att de kommer att behöva i sitt stilleben-konstverk och sedan välja ett som kontaktpunkt. ”Placera objektet först och placera sedan stödstyckena runt det,” föreslår hon. När man målar ett stilleben börjar Levée med kontaktpunkten och gör mätningar på duken proportionell mot intressantens centrum.

I hennes målning Reflektioner i guld, Levée använder regeln om tredjedelar för att dra tittarens öga till vasen och frukten (se en demonstration av stycket). Detta är en av flera enheter som kan dra tittarens öga till ett intressant centrum. Denna regel, som används i målning och fotografering, är tänkt att ge en mer estetiskt tilltalande komposition. Det rekommenderar att konstnärer delar upp en duk i tre sektioner både horisontellt och vertikalt, och placerar intressecentret vid en skärningspunkt eller i den övre eller nedre tredjedelen av ramen. Genom att göra detta tas brännpunkten ur kanvasens ”döda centrum”, och tittarens öga leds över hela rymden. När en kontaktpunkt har etablerats, kommer att bestämma känslor eller budskap som den framkallar hjälpa en att bestämma vilka av de ovannämnda verktygen som mest effektivt kommer att berätta en tydlig och stämningsfull visuell historia.

Sann stillhet i ett stilleben

Sarah Siltala målar främst stilleben och landskap, även om hon ibland ritar figurer i träkol för att finslipa sina ritfärdigheter. "Jag är inspirerad av naturen och dess överdådiga gåvor, vare sig en frukt, en blomma, ett moln, ett träd eller en fågel," säger hon. "Att se skönhet överallt inspirerar mig att måla." Detta är inte förvånande med tanke på att konstnären växte upp omgiven av det pittoreska landskapet i New Mexico, som har lockat plein air artister från hela världen i årtionden. Ibland slår inspiration henne omedelbart, och andra gånger måste hon vattna om ett ämne innan hon flyttas för att måla det.

Siltala vänder sig ofta till sin skissbok där hon håller olika ritningar, idéer och bilder som inspirerar henne när hon förbereder sig för att måla. Hon lägger en betydande tid på att bestämma sammansättningen av sina stillebenmålningar och försöker skapa en känsla av lugn och frid i sitt arbete. "Jag är inte lockad av upptagna kompositioner", säger hon. ”Istället koncentrerar jag mig på en eller två huvudidéer. När jag ställer in mina stilllivsliv ordnar jag om och raderar vanligtvis objekt så att jag är säker på att få det bästa ljuset och skuggan i den slutliga målningen. ” När hon är nöjd med sitt stillebenarrangemang tar hon flera foton av sin slutliga installation för referens i studion. Hon arbetar ofta på mer än en målning åt gången, vilket gör det omöjligt att få alla stilleben upprättade under hela målningsprocessen.

Efter att ha klippt och dimensionerat sin träpanel applicerar hon gesso och skissar sedan sin komposition i träkol. Hon börjar måla med ljusa tvättar och bygger långsamt upp färg. Om du skulle titta på en stilleben-demo från Siltala, skulle du se henne arbeta i stil med Old Masters och bygga lager efter lager med transparenta glasurer. Hon citerar Corot, Rembrandt och Inness som hennes inspiration. Oavsett storleken på hennes yta tar Siltalas bitar veckor att slutföra, eftersom varje lager måste torka helt innan nästa kan appliceras - även om hon använder ett alkydmedium för att påskynda torkningsprocessen.

"Jag spelar ofta med varje lager när jag lägger det ner, trycker på svampar, skrynkligt tyg eller plastfolie i dem och lyfter av lite av den våta glasyren för att avslöja det föregående lagret," konstaterar konstnären. "Efter att ha spelat med flera lager på detta sätt resulterar ett impressionistiskt färgfält med fläckar av enskilda färglager." Siltala anser att detta skiktbyggnadssteg är meditativt, för det kräver att hon arbetar lugnt och långsamt och förlitar sig på tålamod när varje lager färg torkar. "Det är en väldigt fin balans för min hektiska livsstil att uppfostra två unga pojkar," säger hon. ”Livet rör sig mycket snabbt, och jag tror på att ta tid att mata andan. Jag är alltid glad när beskyddare känner igen en känsla av fred i mina målningar, för jag fångar det jag verkligen försöker uttrycka i mitt arbete: ett lugnt ögonblick av fred, skönhet och enkelhet i en ofta kaotisk värld. "


Titta på videon: Tre TIPS för NYBÖRJARE som ritar med BLYERTS (Augusti 2022).