Konstnärslivet

Möt akvarellmålaren Don Andrews

Möt akvarellmålaren Don Andrews


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

The Fiveth in an Artist Daily Exclusive Series:

Masters of American Watercolor

Hur blev du intresserad av akvarell?

Tillbaka i slutet av 60-talet i början av 70-talet gick jag på Ringling School of Art. Akvarell var flytande, bärbar, spontan, och mest av allt luktade det inte som terpentin.

Vem var de akvarellkonstnärer som inspirerade dig mest?

Innan så många böcker, videor, verkstäder i akvarell fanns det en visuell klyftan mellan akvareller i öst och västkust. Det kan sägas att Andrew Wyeth var den stora hitteren i öst och Millard Sheets i väster. Jag beundrade båda lägren men drogs mer till västkustens inflytande eftersom deras var en värld av färg och ljus.

Du har undervisat i akvarell i över 30 år. Hur kom du igång?

Tillbaka i '83 målade jag på dagen och arbetade på JC Penneys på natten för att betala räkningarna. Jag hade en vän som var president för Södra vattenfärgföreningen vid den tiden. Hon frågade mig om jag skulle köra från mitt hem i Mobile, AL till Asheville, NC (cirka 500 mil) för att göra målningsdemonstrationen vid deras årliga möte. Jag accepterade. Demon gick bra och i publiken var Steve McCray som sprang Springmaid Beach Watercolor Workshops i Myrtle Beach. Resten som de säger är historia. Men det händer mig att om jag inte accepterade demoinbjudan och kört de 500 milen, kanske jag fortfarande arbetade på JC Penneys!

Vad tycker du mest om att måla med akvarell?

Eftersom akvarell är transparent är det det bästa mediet för att förmedla en känsla av ljus.

Jag tycker också om att måla på sneda, förvätta områden på sidan och införa färg i färg och skapa blandade eller granulära tvättar, unika för akvarell.

Du brukar råda studenter att "lossa". Vilka är fördelarna med att göra det?

Den kommentar jag hör mer än någon annan i min verkstad reser runt om i landet är: "Jag måste lossna." Ingen säger någonsin "Jag måste strama åt." När vi hanterar borsten på ett personligt sätt skapar vi ett slag som är unikt vårt, ungefär som vår signatur. Genom att mjukgöra och / eller förlora kanter på former när vi målar blir de former mindre skurna, hårda kanter och i fokus. Genom dessa justeringar kan konstnären skapa ett lösare och mer personligt uttalande.

Ditt arbete är känt för sin starka design och färg. Gör du små preliminära råvaror och värdesstudier?

Jag kan inte tillräckligt betona vikten av värdeskissning. För mig är målet med en värdeskiss inte att kopiera ämnets ljus och darks utan att organisera dem. Mina värdeskisser är vanligtvis grova tankar som läggs ned på en plats. Den natten kommer jag att förbättra dem när jag tittar på TV. Jag tänker inte på mina preliminära ritningar som konst så mycket som en visuell utforskning av möjliga sätt att visa ämnet.

Arbetar du från skisser gjorda på plats, från foton eller från båda?

Båda, men det är inget roligare än att gå runt med min skissbok och pennor som fångar ett visst ögonblick på plats.

Du har sagt att du arbetar med en dator för lite preliminärt arbete.
Kan du utarbeta detta?

Under de senaste åren har jag börjat använda en videokamera på plats och sedan tillbaka i studion att skriva ut 8 × 11 bilder på datorn. Underbar omedelbar referens; emellertid kan den fotografiska bilden, oavsett hur bra, alltid förbättras och organiseras genom att gå igenom värdeskissningsprocessen.

Du har också sagt att du använder en spegel som hjälpmedel i din studio. Kan du berätta för oss hur du använder det?

Jag målar stående upp med en fransk staffli på ett bord i min studio. På studioväggen mittemot mitt staffli har jag en stor spegel. Hundra gånger i målningsprocessen kommer jag att titta på målningen i spegeln. Om studion är 12 'över ser jag målningen från 24' och ännu bättre, jag ser det i omvänd riktning. Den här abstrakta vyn pekar nästan alltid på något färg- och / eller designproblem som jag inte var medveten om i armslängden från mitt staffli.

Har du några färger du litar på gång efter gång - och andra som du försöker undvika?

Jag tror på att min palett är laddad med primärfärger och sedan blanda sekundärens och tertiärerna från dem. Mina färgval handlar om såväl värde som temperatur. Favoriter inkluderar Cerulean, Cobalt, Ultramarine (blues); Scarlett Lake, (Red Hot Momma), Cadmium Red, Rose Madder, Alizarin Crimson (reds); Citron, Gamboge, Raw och Burnt Sienna (gula).

Jag undviker ingen färg; men jag varnar studenterna om att Thalo blue, (alias Winsor, Peacock eller Joe's blue), men vackert, kan vara visuellt överväldigande och inte spela bra med sina grannar.

Du har sagt att du gillar att tänka på färg på ett "logiskt sätt". Kan du ge oss några av dina tankar om färg?

Jag kan fortfarande höra min tidiga akvarellärare, Robert E. Wood, fråga klassen, "Är en begränsad palett begränsad?" Genom att göra ett val från var och en av de tre primärfärgerna och blanda dem för att skaffa sekundärer och högskolor kommer alla färger blandade att vara harmoniska med de valda primärfärgerna. Bobs råd var: "Börja med en begränsad palett och blanda som galen." När du har blivit bekväm med att använda tre primärer kan du sedan lägga till en fjärde, femte osv.

Jag tror också på förhållandet mellan färg och värde. Det är en sanning att färg visuellt dominerar i mellanvärdesintervallet. Därför, om du vill att din målning ska vara färgorienterad, bör en stor del av din målning måla någonstans mellan ljus och mörkt medelvärde.

Vilket papper föredrar du - märke, kallpress, varmpress etc.?

Jag använde Arches 140 # kallpresspapper i 40 år. För ett år sedan ringde jag för att beställa papper och fick höra att de var ute av Arches kallpress, men hade Arches 140 # grovt tillgängligt. Jag beställde det grova och har haft den lilla skillnaden i yta sedan dess.

Förbereder du ditt papper på något sätt - väta det, sträcker det etc.?

Under många år sträckte jag mitt akvarellpapper innan jag började måla; ändå så knäckning inträffade på grund av att vissa områden på papperet omvetsades många gånger under målningsprocessen och vissa områden alls inte. Idag istället för att sträcka papperet i förväg, när målningen är klar och ordentligt torkad, vänder jag målningen med framsidan nedåt på brädet (som ligger på en snitt på cirka 45 grader på mitt staffli), blötlägg baksidan med en stor borste och vatten, vänta 5 till 7 minuter tills sidan slappnar av, sträck den sedan genom att dra den spänd, klämma fast den på brädet med bulldogklipp och torka den metodiskt med en hårtork. Denna process lägger till och med en svårbockad sida vackert platt.

Vilka är det bästa råd du kan erbjuda en blivande akvarellkonstnär?

Det är viktigt att du har en studio eller ett måleri. Ett extra sovrum är bra, var som helst där du bara kan tvätta ur penslarna och stänga dörren tills du fortsätter arbetet.

Lika viktigt är ett vanligt måleri. En timme eller två om dagen är bra men dessa timmar måste skyddas. Om dina vänner eller familj ringer under din målningssession berätta för dem att du är mitt i en tvätt och kommer att ringa tillbaka dem senare. Min familj och mina vänner är lite träningsbara och har lärt mig att respektera mitt måleri och arbeta runt det.

Don Andrews är en nationellt känd akvarellkonstnär och lärare. Han har genomfört målningsverkstäder i hela USA, Kanada, Mexiko, Europa och Afrika i över 30 år. Don är en signaturmedlem och tidigare styrelseledamot i American Watercolor Society. Hans målningar har fått många utmärkelser i nationella akvarell tävlingar, inklusive tre utmärkelser från American Watercolor Society, och två Best of Show-utmärkelser från New England Watercolor Society.