Konstnärslivet

Ett samtal med Carolyn Latanision

Ett samtal med Carolyn Latanision


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Den nionde i en exklusiv serie för konstnärer Daily:

Masters of American Watercolor

Hur blev du intresserad av akvarell?

Jag har arbetat hela mitt liv med akvarell och föredrar det frihet och oväntat framför andra media, även om jag också använder oljor, akryl och kasein.

Vem var de akvarellkonstnärer som inspirerade dig mest?
Det skulle vara lätt att namnge Sargent, men det finns många vars arbete jag gillar av olika skäl. Tekniken ensam verkar vara sekundär till den individuella konstnärens uttrycksförmåga.

Hur blev du intresserad av arkitektoniska och urbana ämnen?

När jag växte upp i Bethlehem, Pennsylvania, bara kvarter från de massiva masugnarna i Bethlehem Steel, var stora dramatiska strukturer en vardaglig fixtur i mitt liv. Min mormor bodde i Astoria i Queens, så vi åkte till NYC en vecka varje år och dessa skyskrapor, strukturer byggda med Bethlehems I-balkar, tillförde en annan dimension till det visuella avtrycket på mitt medvetande om ljuset, vinklarna och arkitekturplanen . Jag insåg inte att jag visuellt drogs till arkitekturen förrän jag flyttade till Boston-området och upptäckte Beacon Hill. Jag lärde mig själv att måla arkitektur - först med dörröppningarna till Beacon Hill och sedan hela byggnader och sedan byggnadsgator.

Din Bethlehem Steel-serie är omfattande. Hur blev du intresserad av Bethlehem Steel?
När du växer upp så nära en operation som att det inte rymmer det och det finns inget som förklarar det om du inte har levt den. Det var någonsin närvarande. Det är bara en del av dig. En generation män efter den andra i min familj tappade livet för det om de arbetade i anläggningen snarare än på ett kontor. Bruset från gjuterierna upphörde aldrig, och inte heller luktarna och smuts. Det svarta kornet skulle vara på dina fötter när du tog av dina strumpor; det kröp in i huset dagligen. Efter college trodde jag att jag inte kunde komma undan tillräckligt snabbt. Men när en artikel på Boston Globe på förstasidan meddelade att den stängdes 1995, slog den mig emotionellt. Jag var plötsligt väldigt medveten om dess betydelse historiskt för mig, för min familj och för landet. Jag gick igenom anläggningen fyra gånger efter det och målade en plats tyst, men återspeglar dess tidigare makt.

Du har sagt att NYC - ett annat favoritämne - har en energi som är unik. Kan du utarbeta detta?

New York var så stort och spännande för mig som barn - precis som det är för mina barnbarn idag - jag ville se allt. De samma plan och vinklar som jag såg varje dag i Betlehem återföddes i New Yorks skyskrapor. Och så många att titta på! När jag gick över broarna som sträckte sig över Lehigh-floden, längs vilken Bethlehem Steel-anläggningen byggdes, kunde jag se ett panorama över dess kraftfulla aktivitet. Tågbilarna, svetsarna och heta kolerna från koksarbeten i Bethlehem, hittade en parallell i rusningen av människor, tunnelbanor, rök och höga byggnader i New York.

Jag förstår att du vanligtvis arbetar med foton. Vilket råd kan du ge om foton och referens?

När jag gör mitt mer detaljerade arbete arbetar jag utifrån foton snarare än skisser gjorda på plats. Jag komponerar alltid genom linsen och tänker på hur det ska komponeras som en målning om jag skulle välja att måla det. Med digital fotografering tycker jag att jag inte är så försiktig som jag var med film, men det gör att jag kan ta flera bilder och ytterligare bilder med detaljer. Det är som att göra miniatyrer. Det tillåter mig att ta många bilder av människor i ett visst område också och senare kan jag välja och välja och ordna om. Och jag har lärt mig att redigera, redigera, redigera.

Arbetar du vanligtvis med flera foton?
Jag skriver ofta ut ett antal foton innan jag börjar med ritningen.

Gör du vanligtvis en detaljerad ritning innan du målar?

Jag gör inte en detaljerad ritning normalt eftersom jag kan visualisera vart jag ska vara på väg. Det första och viktigaste är att se kompositionen som en abstrakt helhet - formerna och värdena. Efter att ha gridat mitt papper ritar jag in de mest kritiska områdena och börjar sedan måla och slutar fylla i detalj när jag går efter behov. Jag har en stor otålighet att faktiskt börja måla.

Gör du något annat förarbete?

Oavsett om jag arbetar från livet eller från foton, upprättar jag min palett i förväg för varje målning. Jag älskar färg och använder många, men jag tar först ner min palett för en målning genom att experimentera med tvättar och glasurer: vilken färg går ner först över en torr färg, eller borde det vara tvärtom; vilka färger som ska blandas våt-i-vått, och så vidare. För många områden är jag benägen att blanda mindre och lager mer - men det beslutet kommer först efter experiment.

Jag förstår att du arbetar med en glasrutinsmetod och bygger färgen och detaljerna. Är det rätt?

Vanligtvis med lager / glasering försöker jag använda mer än två färger så att jag inte blir "lerig". Men när jag blandar, snarare än glasyr, kommer jag ibland att använda tre färger. Som sagt använder jag vanligtvis mycket få pigmenterade färger och därför finns det mindre chans att tristhet uppstår. Ibland lägger jag ner en färg och låter den torka med tanke på att jag tar en svamp och torkar försiktigt av den igen för att lämna en mjuk färgslöja som arbetar in i papperet som jag kan arbeta igen. Ibland kommer jag att börja med en underlagsglasyr av akryl gouache på ett stort område så att jag kan arbeta över den igen utan rörelse under. Jag måste vanligtvis tillämpa mörka värden och ljusa färger i en detaljerad målning när den ursprungliga applikationen är helt torr. Ett exempel på mörk, men ljus färg, är ett mörkrött äpple. Att bara använda en färg gör den för platt. Jag kommer först att använda en ljusröd för en första applikation. När det är torrt lagrar jag över det med en mörkröd tvätt. På så sätt uppnår färgen ett vackert djup.

Har du några färger du litar på gång efter gång - och andra som du försöker undvika?

Som nämnts använder jag många fler färgfärger än jag pigmenterade färger. Jag använder en lång metallpalett med mina mest använda färger närmast mig i ordning "regnbåge". De färger jag använder oftast har förändrats över tid och fortsätter att göra det. Till exempel använde jag en gång en hel del Payne's Grey. Det har ersatts med neutralt färgton för att neutralisera vissa färger. Jag använder fortfarande Ultramarine Blue, men inte om jag vill undvika granulering. Andra gånger använder jag den speciellt för den egenskapen. Ftalocyaninblått är ett färgämne och bör tekniskt inte röra sig mycket, men det gör det! Jag undviker det för himlen eftersom det kan bli fläckigt.

Vilket papper föredrar du - märke, kallpress, varmpress etc.?

Jag använder oftast 300 kg Saunders Waterford Cold Press-papper, eller Twin Rocker, ett handgjort papper i en enda vikt. Jag gillar grovt papper, särskilt bågar, men jag använder det inte för mitt mer detaljerade arbete. Jag tycker dock om det för naturens utomhusämnen.

Förbereder du ditt papper på något sätt - väta det, sträcker det etc.?

Jag har försökt alla möjliga sätt att förbereda mitt papper, men hittade äntligen att jag hade så mycket mer rörlighet att bara låta det sitta löst på min tavla. Vanligtvis finns det inte tillräckligt knä för att hindra mig. Om jag behöver, vänder jag den med ansiktet nedåt, våter ryggen med en svamp och tynger den ner med min tavla och ytterligare vikter en liten stund. Det återvänder till mig helt platt och när jag går. Genom att lämna papperet löst kan jag vända det lätt när jag arbetar, ibland till och med upp och ner, utan att behöva flytta hela brädet det sitter på. Så okonventionellt som det kan verka har jag lagt märke till att de flesta i mina klasser gör det nu också, även om jag aldrig har bett dem.

Du har undervisat länge. Har du hittat detta som hjälp i ditt eget arbete?
Ja och nej. Jag gillar att vara ensam mycket, så att vara med mina klasser är en riktigt fin paus från mig själv! Jag gillar deras entusiasm och ibland driver deras egen arbetsetik mig ut ur mitt känsla lata utrymme. På andra sätt, eftersom jag måste bryta ner allt för att svara på deras frågor, håller det mig lite tillbaka. Jag gillar akvarellens spontanitet (ja, även med detaljerat arbete), men jag börjar tänka för tekniskt ibland eftersom mitt sinne fortfarande fångas i fråga och svarsläge.

Vad är det bästa råd du kan erbjuda en blivande akvarellkonstnär?

Jag har just läst en offert som tillskrivs Katherine Johnson, NASA-matematikern som spelade en nyckelroll för att skicka Apollo 11 till månen och tillbaka. Hon sa: "I matematik har du antingen rätt eller har fel." Det slog mig eftersom det inom konst INGEN är rätt eller fel. Fortsätt bara måla och försök inte att efterlikna en annan målares verk. Så småningom kommer ditt arbete att se ut som ditt arbete och du har lärt dig många saker på vägen för att göra ditt arbete unikt. Teknik börjar naturligtvis falla på plats. Som jag berättar för mina elever är akvarell mycket negativt lärande. Kom bara ihåg att ha kul att göra det. Det är bara papper.

Carolyn Latanision Är infödd i Bethlehem, Pennsylvania och bor nu och arbetar i Massachusetts. Hon arbetar främst inom vattenmedier och undersöker dess unika utmaningar och möjligheter. Carolyn är signaturmedlem i National Watercolor Society, New England Watercolor Society, Pennsylvania Watercolor Society, Catharine Lorillard Wolfe Art Club i NYC, Hudson Valley Art Association, Philadelphia Water Colour Society, Rocky Mountain Water Media och Whiskey Painters of America. I Boston-området är hon en utsedd Copley-mästare i Copley Society of Art. Hennes målningar finns i många offentliga och privata samlingar. Besök Carolyns webbplats för mer information.


Titta på videon: #147 - Försök till rationella tankar i en irrationell värld. Lite kommentarer och matematik (Juni 2022).