Tekniker och tips

Ritning är hjärtat

Ritning är hjärtat



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Ritning är hjärtat
Föredrag är grunden för självuttryck. Att lära sig att rita är det långsammaste men säkraste sättet att uppnå behärskning i din målning.

Av Juliette Aristides

Ritning är konstens hjärta och själ. På 1960-, 1970- och 1980-talet, i kölvattnet av abstrakt expressionism, neo-expressionism, och moden för montering och installationskonst, ritade alla men försvann från läroplanen för de flesta konstskolor. Ritning verkade onödigt, nästan föråldrat. Redan tidigare, redan 1924, ansågs att lära sig att rita vara sekundärt till att lära sig måla, vilket framgår av denna iakttagelse av Harold Speed: ”Ritning, även om den första (i betydelse), är också det sista som en målare vanligtvis studier. Det finns mer i den (ritning) som kan läras ut och som återbetalar konstant tillämpning av ansträngning ”(från The Practice and Science of Drawing, tryckt av Dover 1980).

Färg är omedelbart intressant, ja, men formen förtjusar såväl sinnet som ögat. Varför är ritning, oavsett vilket ämne, så viktigt? Tänk på ett porträtt där ögonen är feljusterade eller på ett landskap där perspektivet är snett. Oavsett vilken känslomässig inverkan målningen annars skulle ha haft utsläpps av en teknisk brist. Speed ​​trodde att ritning kunde läras, och jag som lärare för konstnärer vittnar om den sanningen. Vem som helst kan lära sig att rita men, som att spela piano, kommer det inte att ske över en natt och det kommer inte att hända utan övning. Vissa artister börjar med en anläggning, för de har ritat sedan de var barn. På mitt atelier ser jag den typen av student och jag ser den andra typen, de som saknar färdigheter men är fast beslutna att prova. Den andra gruppen gör stora vinster, medan de i den första gruppen sällan tar de risker som krävs för att lyckas. De som har disciplinen att fortsätta blir utbildade föredragande som kan behärska teknikerna för vilket medium som helst.

Den akademiska traditionen

Jag undervisar för närvarande min egen atelierklass vid Seattle Academy of Fine Arts. Läroplanen som jag har utarbetat är strikt, i överensstämmelse med den akademiska traditionen som började i renässansartisternas verkstäder och blomstrade under 1800- och 1800-talet, särskilt i École des Beaux Arts och Académie Julian. Tidigare århundraden förstod att konstnären behövde tränas noggrant som författare innan han fortsatte till målningen; ofta betraktades inte ett decennium av att studera teckning överdrivet. Det accepterades också att en konstnärs färdigheter måste skärpas kraftigt innan han eller hon försökte ta itu med det stora ämnet för den mänskliga formen. Först efter att konstnären hade visat hantverk i målning av figurer och stilleben, kunde han eller hon börja uttrycka figurens vitalitet och adel. Att måla den mänskliga formen kräver att konstnären inte bara uppnår en likhet utan också föreslår - med djup, känslighet och integritet - vad som ligger utanför utseendet: själen.

Färdighet förbättrar självuttrycket

Inledande artister idag har fått höra att färdigheten i sig hämmar självuttrycket. Tvärtom, jag tror att genom att lära sig konstnärens hantverk kan du uttrycka din egen vision. Traditionella färdigheter är grunden som du, konstnären, arbetar med. Det är hantverk, inte bristen på det, som är grunden för självuttryck. Omvänt är det att vara kreativ utan kunskap om hantverk som att försöka dekorera en strukturellt osund byggnad. Det är inte vettigt.

Jag anser att min undervisning förmedlar ett konstnärligt arv som annars skulle gå förlorat. När jag undervisar försöker jag överföra informationen som en konstnär behöver på ett sätt som är begripligt. De komplexa uppgifterna att rita och måla blir mer hanterbara när de delas upp i delar.

Ritning är en process för förenkling

Det finns inget viktigare än att rita. Processen att förenkla, handlingsdesignen, faller inom ritningsområdet. Allt, alla aspekter av konst - det vill säga proportion, värde och form - men färg faller under ritningsområdet. Om konstnären utbildas först som författare, är hon fri att koncentrera sig på färg snarare än att oroa sig för att få eller inte få proportionerna rätt.

En av paradoxerna med att lära sig att rita är att början fas kräver att du offrar detaljer till förmån för design och gest, medan slutfasen kräver att varje område i kroppen görs, annars kommer verket att se generiskt och platt ut. Att lära sig rita tar tid; det kräver att du drar från livet varje dag. På mitt atelier börjar eleverna med att fokusera på ritning; mer avancerade elever går vidare till monokromatisk och sedan helt kromatisk målning. Studenter ritar gipsgjutningar, nakenmodellen och stilleben. de kopierar också masterworks. Projekten blir alltmer komplexa när deras färdigheter, tillsammans med förtroende för dessa färdigheter, växer.

Hur man går från ritning till målning

Det finns lika många sätt att starta en målning som det finns temperament. Jag tycker att det är bra att dela upp målningsprocessen i dess olika komponenter: komposition, ritning, värde och färg - i allmänhet arbetat med i den ordningen. Grunden är stark design; en stark design kommer att ha inverkan från hela rummet. Nästa viktigaste komponent är ritning. Mitt mål är att ritningen ska vara både korrekt och väl utformad. Därefter arbetar jag med att förena värdena så att de mörka områdena ger en kontekst för lamporna. Till sist fokuserar jag på färg - både på den lokala färgen och på hur ljuset påverkar den lokala färgen.

Arbeta i etapper: en konstnärs hantverk

Vanligtvis tillbringar jag flera dagar på att arbeta med kompositionen. Sedan ritar jag direkt på duken. Jag förfina ritningen med urvattnat permanent indiskt bläck (så att nästa färgskikt inte kommer att tvätta linjen bort), applicerad med en fin pensel. Sedan gör jag en monokromatisk undermålning som fastställer värdena. För detta använder jag ofta rått paraply blandat med terpentin; denna blandning kan helt täcka ytan på duken, men bläcklinjerna kommer fortfarande att vara synliga under den. Jag drar ut lamporna med en bomullstrasa.

Jag arbetar alltid från allmän till specifik. Jag börjar med de bredaste relationerna i linje, värde och färg innan jag fokuserar på de mindre relationerna inom varje objekt eller inom varje del. Med en stor borste blockerar jag de övergripande färgförhållandena. De flesta kanter går förlorade; Jag är bekymrad över att länka objekt.

Just nu tittar jag igen på ritningen. Läser den bra på avstånd? Finns det en underordnad del av målningen som får för mycket uppmärksamhet? Behöver en kant gå tillbaka eller gå framåt? Ofta gör jag en lista och konsulterar listan när jag gör ändringar.

Fokuserar äntligen på färg

Nu kommer jag att fokusera på en del av målningen åt gången och föra varje område till ett färdigt tillstånd. Jag försöker hålla skuggformerna enhetliga och enkla; Jag gör detta genom att inte tillåta för mycket av en varians av värde i skuggorna. Sedan koncentrerar jag mina ansträngningar på halvtonerna mellan skuggan och ljusens kärna. Om jag känner en färg, lägger jag in den - det handlar inte så mycket om att se färgen eftersom den får ett glimt av det ur mitt ögonhörn. Jag litar på att det ser bra ut i sammanhanget. Istället för att använda någon färg för ett helt område, letar jag efter färgförhållanden. Färgen i naturen är oerhört varierad, mycket komplex och förvånansvärt vacker. Så länge ritningen och värderingsområdet är stark kan färg vara en åsiktfråga. Betraktaren kommer att hålla en bedömning om vad som verkar rimligt till förmån för det konstnären skapar.

Ljus i mörkret

Jag visste från början att jag ville bli konstnär. Jag växte upp i Reading, Pennsylvania, en ganska liten stad. Mina föräldrar hade emigrerat från Kapstaden, Sydafrika, där jag föddes. Min far var läkare och min mor stannade hemma när jag var ung. Vi hade många böcker, särskilt en samling av 50 eller 60 monografier av mästare. Min familj gjorde också en hel del resor, så jag såg mycket konst och faktiskt kopierade många verk. Jag var ett stort fan av Rembrandts.

När jag var tonåring ställde jag mitt larm för kl. 2 så att jag kunde vara ensam och gå i mörkret. Jag har läst en hel del filosofi och jag tyckte att det var viktigt att kommunicera med naturen, särskilt vid den tidpunkt då hela världen verkade som sömn. Det är fantastiskt hur mycket jag kunde se; Jag gjorde mycket skisser då. När du är i den åldern är livet så nytt och du lever så. Det är som om du ser saker för första gången, som om allt är i brand.

Jag tror att konstnärer kontinuerligt använder den ungdomliga intensiteten. När jag mognat som konstnär verkar mitt arbete handla mer och mer om uppenbarelse. Jag ser målning som en upplysning, att arbeta genom mörkret till ljuset. Ljus är en stor avslöjare av saker. Jag hade en lärare, Myron Barnstone, som en gång sa till mig: ”Graven är för mörker. Spindelnät är för graven. När du lever bör du fira ljus. " Detta uttalande har återupplåtit mig. Jag tycker det är fascinerande att det finns i livet dessa stunder när du inser att något viktigt händer; att en upplevelse aldrig kommer att återges; att det kommer att blekna och glömmas, aldrig att återkrävas - såvida du inte målar det. Att ha förmågan och ha uppnått förmågan att måla den typen av ögonblick, att spela in den typen av uppenbarelse är galen fantastiskt.

Aspekter av hantverk
Tips från atelieren

1. Rita från gipsgjutor av antika statyer.

2. Kopiera huvudritningar. Denna praxis ger dig möjlighet att studera hur mästarna förvandlade naturen med all sin varians, överflöd och detaljer till linje.

3. Tänk som en designer. Den största imitationen är inte den största konsten. När du drar från livet, leta efter vad det är du vill säga och betona modellens dominerande karaktär.

4. Arbeta från det allmänna till det specifika. Det är lätt att bli överväldigad av komplexiteten som finns i naturen och det tar erfarenhet att börja sortera vad som är relevant utifrån vad som är onödigt.

• Squint när du tittar på ditt ämne.

• Titta igenom färgat glas eller färgat acetat för att se linjen.

• Innan du börjar måla, kondensera all information till en liten skiss - till exempel 3 × 4 tum. Om skissen läser bra från hela rummet är du redo att börja måla.


Om konstnären

"Människor har intrycket av att få barn kommer att begränsa sina liv eller omsluta deras värld, men jag insåg efter att ha fått min dotter och son att min värld stängdes innan," säger Juliette Aristides, som vann Wilder Prize for Drawing från National Academy of of Design i New York 1995. Hon studerade med Jacob Collins på den berömda Water Street Atelier; hon har nu sitt eget atelier. Hennes webbplats är www.aristidesarts.com.

För mer av Aristides läror om ritning, se henne Lektioner i klassisk ritning, och Klassisk ritningsatelier genom att klicka på boktitlarna.


Titta på videon: hur man ritar hjärta Kawaii steg för steg - ritningar lätt (Augusti 2022).