Teckning

Memoarer av en föredragande

Memoarer av en föredragande


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

En förkortad version av denna artikel visas i sommaren 2016-numret av Teckning tidningen, som ägnas åt konstnärernas skissböcker och inkluderar skisslektioner, råd om skissmaterial och utförda skissbokritningar av en mängd olika konstnärer. Klicka här för att köpa problemet eller klicka här för att prenumerera på Teckning.

Av John A. Parks

~~

Jag utbildades i det engelska konstskolasystemet som började i slutet av 1960-talet, när du kunde börja 16 år gammal. Jag var skyldig att spendera stora mängder tid på att rita. Jag var inte mycket av en författare till en början, efter att ha kommit in i fältet med den vaga idén att bli industri- eller produktdesigner. Jag hade ingen speciell bakgrund inom konst. Men snart började de otaliga timmarna med att titta på enkla föremål - att göra skumma och lurviga blyertsritningar av fjädrar, koppar, nakna modeller och utsikt över det karga avfallet på skolparkeringen - fungera som det mest godartade av droger. Att titta hårt på världen runt mig visade sig öppna sig på ett sätt som ingen av hallucinogenerna som gjorde rundorna någonsin kunde hoppas vara.

När mina lärare - som till stor del var vänliga - tvingade mig att titta på vinklar, proportioner, former och konturer, började världen få ett oändligt mer komplex utseende. Jag pressades för att undersöka tonförhållanden genom kolteckning och plötsligt var allt jag tittade på full av de subtilaste tonskiftningarna. Att stirra vid fallet av ljuset på en tom vägg var nu fascinerande. Färgvärlden, som jag hittills har tänkt på som bara en liten palett med primärer, expanderade till ett stort antal skiftande nyanser som talade till varandra på oväntade sätt. Varje gång jag öppnade ögonen kastades jag in i ett universum som droppade av rikedomar. För mig var upplevelsen av att lära mig att rita och måla en breddande och fördjupad uppfattning, en ny spänning över att leva och i världen.

Expanding Skills

Tillsammans med att se bättre kom fysiska färdigheter, utbildning av alla motoriska muskler som behövs för att förhandla beröring och svängning av ritnings- och målningsredskap. Efter månader av smärta och kamp fanns det ökande ögonblick med glädje i att förhandla fram passeringar av ritning, för att uppnå bättre touch och mer intressant yta.

Som unga studenter diskuterade vi om vilka egenskaper i ritning som var önskvärda, och gradvis introducerade våra lärare oss för reproduktioner av mästarteckningar - Raphael, del Sarto, Rembrandt och Rubens, såväl som olika modernister. Det var lätt att se varför en Michelangelo-ritning beundrades, men hur är det med de lösa och snabba ritningarna av Matisse? Och vad var så bra med de Koonings frenade kol? Vi åkte till museet för att titta på mer. Så ritning blev en väg in i konsthistoria, inte i den torra meningen att kategorisera och memorera perioder, epoker, stilar och datum, utan som ett sätt att förstå vad ritning och målning kan göra, vilka slags saker vi unga studenter så småningom skulle kunna av.

Mina lärare, mycket påverkade av Bauhaus, gillade att organisera ritprojekt i tre etapper. Först kom "objektiv" -ritning, där eleven var tvungen att titta så noggrant som möjligt på ämnet och undersöka det dispassivt. Detta följdes av "analytisk" ritning, där vi skulle förmedla information om objektets specifika egenskaper. För det tredje var "syntetisk" ritning, där vi skulle återmontera en uppfattning om objektet baserat på vår analys. Således ett projekt om "flöde" kan börja med en noggrann objektiv ritning av vatten som strömmar genom en sjunka, där utseendet registrerades så troget som möjligt. Det analytiska scenen kan vara en mer schematisk version med pilar och anteckningar inkluderade för att visa riktningen för olika rörelser och virvlar. Den syntetiska versionen kan vara en förenklad återgivning av en arketypisk flytande rörelse abstrakt från de tidigare ritningarna.

Denna process hade applikationer för att utveckla mönster och abstrakta målningar, men det gjorde oss också medvetna om att ett objekt kan ses och förstås på många olika sätt. Det kom fram den konstiga och spännande möjligheten att objektet faktiskt inte existerade i någon absolut mening men bara antog sin speciella form i förhållande till oss och de sätt vi valde att titta på det. Vi har aldrig läst Descartes eller Husserl, men vi befann oss i grundläggande frågor om vår relation till världen på ett sätt som var aktivt och ofta mycket roligt. Häftiga saker för tonårskonststudenter!

Rita media som passar tillfället

Ritning har förblivit en av hörnstenarna i min praxis sedan dess, ett sätt att utforska idéer, ansluta till världen och få tillgång till det stora glädjen att se. Jag drar in de flesta av de traditionella medierna: kol, penna, penna och bläck och pensel-och-akvarell. Valet ändras med åren och projektet. Om jag tänker på en stor målning, till exempel, kan jag teckna kol, vilket möjliggör bred massering, suggestiva strukturer och snabb applikation. Det är ett dammigt nöje, med gott om utrymme för att brottas vitt papper tillbaka med radergummit eller köra tonövergångar med en stubbe.

I mina skissböcker ritar jag till stor del i penna och bläck. Om jag är i studion använder jag en dopppenna och en mängd tecknaglar, mest från Speedball-uppsättningarna. Det finns alltid en grundläggande spänning med penna och bläck av det enkla skälet att det inte går tillbaka. Varje linje kommer att stanna, och detta fokuserar sinnet underbart. Flexibla stålklappar ger härliga tjockar och tunnar och möjliggör stilfull linje om du klarar det. Ibland gör jag en ritning med en gåsfjäder och tycker fortfarande att jag är stolt över att få en "gammal mästare" -utseende till verket. Jag plockar upp gåsfjädrar nära dammen uppför kullen från min studio och lagrar dem från användning. Ett år klippte jag en hel del vassar, inspirerad av Van Goghs vasspennateckningar. Jag testade tekniken men kunde aldrig riktigt få "ge" i den linje som han verkade hantera. Han måste ha använt en annan art.

Jag har ibland ritat in Conté, men jag är inte en fan av mekaniska pennor och ännu mindre av markörer av något slag - de verkar högt och okänsligt i stort. Om jag är ute och går med min skissbok använder jag en reservoarpenna. Jag gillar snarare Rotring Art Pen, men jag har också olika antika fontäner som jag har hämtat på eBay. Jag använder vanligtvis ett sepiafärg, och det kombineras lyckligt med en sepia akvarelltvätt om jag vill blockera i toner och till och med klara mig med full akvarell.

Skissbokens många användningsområden

Under de senaste åren har mina skissböcker ägnats åt tre grundläggande teman. Den första omfattar studier från mästerteckningar och målningar, saker som jag har gjort för att bekanta mig med verk som jag har beundrat. Det är en sak att titta på en Poussin men en helt annan att rita figurerna och gå in i företaget med exakt berättande och klassisk konstruktion.

För en ny serie bilder av New Yorks folkmassor gjorde jag en hel del studier efter Pieter Bruegel den äldre, liksom versioner av London-scener av William Hogarth och Thomas Rowlandson. Jag ville förstå hur dessa stora konstnärer hanterade ett stort antal figurer och orkestrerade action. Jag blev också fascinerad av att upptäcka hur de lägger till drama genom gest, överdrivning och karikatur. När jag tänkte måla en utsikt över Central Park båtdamm tänkte jag att det kan vara roligt att citera en viss nederländsk och engelsk marinmålning och det gjorde också skissbokstudier av William van de Velde och J.M.W. Svarvare.

Mitt andra skissboktema har varit samlingen av figurer för mina målningar under de senaste åren. Några av dessa är gjorda från livet men många fler är baserade på min fotografering och videor. Efter att ha frus-inramat en figur i precis rätt ögonblick för det drama jag söker, kan jag rita, överdriva och förvränga tills jag får den bild som jag behöver. Det finns en kontinuum mellan att fotografera och skissa på gatan och sedan utforska bilderna genom ytterligare skisser i studion.

Till sist skapar jag allmänna skisser av nästan allt som slår mig - ett par stövlar som ligger på golvet, en scen på ett flygplatsshoppingområde, en gyllene eftermiddag i en engelsk park. Kvaliteten på dessa saker är nödvändigtvis varierad, med tillgänglig tid och möjlighet. Jag har alltid varit dålig på att dölja min aktivitet runt människor, och jag blir ofta ryckad halvvägs genom att rita någon och så förlora dem.

Färdiga ritningar

Utanför mina skissböcker har jag nyligen ritat med borsten i studion för att förbereda en ny serie målerier. Med en monokrom gouache på akvarellpapper får jag ett mjukt och ganska romantiskt utseende som är perfekt för det trädgårdsämne jag utforskar. Jag försöker få en mycket tystare känsla än mina nya målningar av New York City, så jag bygger dessa teckningar med tusentals små borstmärken och upprätthåller en viss typ av återhållsamhet. Jag antar att eftersom jag använder tvätt och linje är ritningarna halvvägs till akvareller, men då har många stora konstnärer vanligtvis ritat med penseln, mest känt Goya.

Dessa nya ritningar är ganska involverade och tar två eller tre dagar att slutföra. Jag börjar utan en blyertslinje, och börjar med bara några mycket ljusa inslag av gouache för att fastställa huvudproportionerna. Jag arbetar med fotografering som jag samlade för flera år sedan i England, och ofta stickar jag samman flera ramar på en gång, så jag har bara en sprickad bild av mitt ämne. Jag är intresserad av att bygga ritningen när jag arbetar och låta anomalier av rymd och proportioner komma in i processen. Jag får en försiktigt flexibel känsla av utrymmet som aldrig kunde hända om jag klippte exakt till en mekanisk återgivning. Jag är ofta förvånad över att se olika typer av undertoner, atmosfärer och känslor dyker upp och börjar bebos av bilden, kallas av delar av mig som jag inte har någon kontroll över. Världen börjar leva på ett nytt och spännande sätt, och detta sporrar mig till nästa stycke.

Jag är precis på väg att börja arbeta med oljor i den här ången och är upphetsad över att min nästa show kommer att se mycket annorlunda ut än min sista. Jag har alltid varit motvillig mot att göra samma arbete i år som jag gjorde förra året. Att göra konst bör vara en spänning, en undersökning och upptäckt, ett steg in i det okända. Naturligtvis är detta en uppfattning som kommer att medföra misslyckanden, misstag och förlägenhet. Men om du inte riskerar att misslyckas kan du aldrig leva riktigt, och säkert att göra konst är ett av de bästa sätten att leva som det finns.

~

John A. Parks är en konstnär som representeras av 532 Gallery Thomas Jaeckel, i New York City. Han är också lärare vid School of Visual Arts i New York City och ofta bidragit till Teckning, såväl som författaren till boken Universella principer för konst. Se hans arbete på johnaparks.com.


Titta på videon: Mumin 29 Muminpappans Olyckliga Barndom (Juni 2022).