Konsthistoria

10 Master-lådor (och vad de lär oss)

10 Master-lådor (och vad de lär oss)



We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

Den största lådan i världen kunde ha varit en kvinnlig lärling till en annan konstnär i rokoko Frankrike, eller en renässans föredragare som gjordes osynlig genom bländningen av en erkänd mästare från en kraftigare närliggande stadsstat, eller en självutflyktande konstinstruktör som för närvarande arbetar i Minnesota.

Att välja de 10 bästa lådorna genom tiderna är ett spel med tvivelaktigt värde. Istället beslutade vi att ange antalet gånger historiska figurer hänvisades till eller återges i de första tio numren av Teckning tidningen och visa upp dem med lysande kommentarer från en tankeväckande arbetande konstnär och en representant från en av de mest respekterade konstinstitutionerna i landet.

Var och en av de tio konstnärer som visas här erbjuder ritningar av utsökt skönhet; men viktigare för våra ändamål erbjuder var och en insikt och lektioner som alla föredragande kan använda. Vi undersöker varför dessa individs arbete är så inspirerande.

Leonardo Da Vinci

Leonardo da Vinci (1452–1519) var konstens första obestridliga superstjärna, och hans geni är obestridligt. Men Ephraim Rubenstein, en konstnär som undervisar vid Art Students League i New York, på Manhattan, blandar sin beundran för Leonardo med den punkten att till och med detta renässansstorle inte uppstod från ett vakuum.

"Leonardo fick så mycket av Andrea del Verrocchio, som var en fantastisk lärare," säger Rubenstein. ”Alla kommer ur en tradition; ingen kommer från ingenstans. Leonardo lärde sig början av sfumato från [hans lärare], bland många andra saker. ”

Född den olagliga sonen till en advokat i den toskanska staden Vinci, Italien, var Leonardo en vetenskapsman, en uppfinnare, en pionjär i studiet av anatomi och målaren av mästerverk The Last Supper och Mona Lisa- den prototypiska renässansmannen.

Rubenstein hänvisar till sina linjer som ”mellifluous, delikat och graciös. Han gör inte något som inte har de vackraste kurvorna. ” Men hans skissböcker är det som gör Leonardo till en innovatör.

"Han var en av de första killarna som pratade om att ta ut en anteckningsbok ut på gatorna," förklarar Rubenstein. "Leonardo sa att du måste ha direktkontakt med livet och följa människors handlingar."

Resurser:

  • Leonardo da Vinci Mästarteckning, av Carmen C. Bambach (Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Leonardo da Vinci: The Complete Paintings and Drawings, av Frank Zollner och Johannes Nathan (Taschen, Köln, Tyskland)

Michelangelo Buonarotti

Hans sixtinska kapellstak är en av de mest berömda driften i konsthistoria, men de som är intresserade av teckningar fokuserar på de mer än 90 krita-och-bläckverk som Michelangelo (1475–1564) gjort för att förbereda detta och andra uppdrag.

Vissa konstnärer har dragit parallellen mellan den här italienska mästarens verk och de fantastiska, muskelbundna formerna i serier. Men om någon strävande föredragare under de senaste 50 åren har närmade sig den krusande mänskliga anatomin i serier med beundran, har han kommit till Michelangelos arbete med vördnad.

"Med sin behärskning av målning, skulptur och arkitektonisk var ingen konstnär - med det eventuella undantaget av Leonardo - mer tekniskt begåvad," säger Rhoda Eitel-Porter, chef för teckningsavdelningen vid Morgan Library i New York City .

"Hans figurer anstränger sig alltid," observerar Rubenstein. ”De strävar efter något men är bundna. Alla muskler dras samtidigt, vilket är anatomiskt omöjligt, men djupt poetiskt. Michelangelo skapade ett landskap av människokroppen. ”

Anledningen är logisk: Michelangelo var en skulptör. Skillnaden mellan det taktila och det visuella bryts ned; konstnären ser och ritar i tre dimensioner. "Michelangelo [förstod] att en viss muskel är äggliknande i sin karaktär, och han [skulle gå] efter den formen med sin krita," säger Rubenstein och påpekar att märkena på hans teckningar alltmer finslipar på mer färdiga områden i formen i ett sätt som är parallellt med mejslinjerna på en oavslutad skulptur. Konstnären placerade grova kläckor på vissa platser och definierade mer noggrant korshatching i andra och polerade ton i de mest färdiga områdena.

Michelangelos verk präglas av två andra drag: hans nästan fullständiga hängivenhet till den manliga naken och den allestedsnära sensualiteten i hans konst. Till och med kvinnliga figurer i hans stycken modellerades efter män, och till och med hans draperi var sensuell.

"Han kunde säga allt han ville säga med den manliga naken", konstaterar Rubenstein. ”Han blev inte distraherad av någonting annat - inte landskap, inte still liv, inte kvinnliga naken. Med undantag för sin arkitektur var Michelangelo monolitiskt fokuserad på den manliga nakna, och även i hans byggnader kunde paralleller göras till kroppen. ”

Resurser:

  • Michelangelo Drawings: Closer to the Master, av Hugo Chapman (Yale University Press, New Haven, Connecticut)
  • Lektioner från Michelangelo, av Michael Burban (Watson-Guptill Publications, New York, New York)

Albrecht Dürer

Albrecht Dürer (1471–1528) är utan tvekan den största tryckmakaren i historien. Han publicerade mer än 350 graveringar och träsnitt och slutförde minst 35 oljemålningar och genererade mer än 1 000 preliminära ritningar och akvareller under processen.

Dürer skapade ett antal allmänt kända och ikoniska tryck, och Nürnberg-konstnären är högt respekterad och inflytelserik bland lådorna. Hans nyanserade föreställning av former - ingen enkel prestation med ett styv, oförlåtande gravyrverktyg - är anledningen till att så många föredragande studerar och förundras över hans arbete.

"Hans ritning kommer från en tryckmakares känslighet," kommenterar Rubenstein. ”Han kan inte lägga ton; han måste kläckas. Och ingen förblir på formen med Dürers hänsynslöshet. ”

Han var virtuos, men kanske inte nyskapande. ”Jag tror att han fick mycket av italienarna,” säger Rubenstein, med hänvisning till konstnärens besök i Venedig för att träffa en vän och undersöka konsten och idéerna i renässans Italien. Men hans talang var inte bara i utförandet av hans teknik. Dürer packade mycket innehåll i graveringar som Knight, Death and Devil- inklusive två fantasmagoriska figurer som fascinerar men ändå inte dominerar resten av kompositionen - men ögat fattar lätt huvudidén när det inte fester på underbart gjorda rötter och småsten.

Upptäck kraften i att skissa i vår kostnadsfria e-bok med skissritningslektioner. Ange bara din e-post nedan för att börja njuta av att utforska utforskningar av konstmästare som dessa!

[fw-capture-inline-kampanj = ”RCLP-bekräftelse-penna-skiss-ritning” tack = ”Tack för nedladdningen!” intresse = ”Art” erbjudande = ”/ wp-content / uploads / pdfs / PencilSketchDrawingGheno.pdf”]

"Du svarar på bildens intensitet och densitet", säger Rubenstein. ”Dürer [avbildade] naturens fenomeners bisarrhet i stor detalj, men ändå kunde han hålla den stora kompositionen klar och stark med allt detta på gång. Han [visste] att även inom träden var han tvungen att backa upp lite så att timglaset kunde komma fram. Han [kontrollerade] så mycket - han är som en jonglör som har 30 bollar i luften. "

Resurser:

  • Fullständiga gravyrer, etsningar och torrpunkter av Albrecht Dürer, av Albrecht Dürer (Dover Publications, Mineola, New York, New York)
  • Albrecht Dürer and His Legacy: The Renaissance Artists grafiska verk, av Giulia Bartrum (Princeton University Press, Princeton, New Jersey)

Peter Paul Rubens

Stereotypen har artister som lever en dålig bohemsk livsstil, men Peter Paul Rubens (1577–1640) är bevis på att vissa konstnärer uppnår enorm framgång. Enligt de flesta konton var Rubens en väl respekterad, rik och glad konstnär som också samlade antikviteter, uppfödde en stor familj och säkerställde ett fredsfördrag eller två medan han tjänade som en diplomat på hög nivå. Han var en upptagen man av handling, och papper krängdes aldrig på frivoligt sätt - nästan alla hans ritningar var förstudier för större uppdrag.

Man förundras ännu mer över de säkra, vackra linjerna i Rubens ritningar mot bakgrund av den kunskap som han säkert skulle betrakta som arbetsdokument, olämpliga för utställning. Det som gör honom speciell är "hans behärskning av krittekniken", enligt Eitel-Porter. "Han behövde bara några slag för att framkalla inte bara figurens ställning utan också dess känslomässiga tillstånd."

Den belgiska domstolsmåleren visade faktiskt en otrolig anläggning i sina ritningar, med en antydan till bombast. Hans hand var säker. "Rubens använde naturligt robusta, säkra märken och flytande gester", säger Rubenstein, som särskilt beundrar konstnärens ritningar gjorda med tre färger krita. "Röd krita är vacker, men det har en begränsning i dess räckvidd - du vill ofta använda svart krita och vit krita för att öka den ytterligare i varje ände av värderingsområdet," förklarar Rubenstein. "Det är som skillnaden mellan ett ackord och en anteckning - utöka räckvidden för röd krita."

Resurser:

  • Peter Paul Rubens: Ritningarna, av Anne-Marie S. Logan (Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Peter Paul Rubens: A Touch of Brilliance, av Mikhail Piotrovsky, (Prestel Publishing, München, Tyskland)

Rembrandt van Rijn

”Han var en arving till Leonardo genom att han alltid skissade från naturen,” säger Rubenstein med hänvisning till Rembrandt (1606–1669). "Hans gester var så sanna och fulla av liv."

Om Rubens var maktmålaren och den kungliga domstolen, var Rembrandt mänsklighetens konstnär. Den holländska målaren och författaren var begåvad med samma förmåga med linjen och hade förmågan att rita mycket snabbt och säkert lägga till enkla tvättar som effektivt etablerade mörkt ljus mönster.

Det oförlåtande bläckmediet hindrade inte Rembrandts strävan efter ögonblickets handling; baksidan av hans hustruskåpa sveper övertygande från trappan in Kvinna som bär ett barn nerför trappor, till exempel. Mödrar och barn var särskilt intressanta för konstnären kanske delvis för att han förlorade tre barn i sin barndom; och hans hustru död avbröt ett lyckligt äktenskap.

"Mänskligheten i hans teckningar ... du känner det inte så genomgripande i någon annans arbete", kommenterar Rubenstein. ”Han [verkade] veta hur mamman [kände] ut, hur barnet [kände] ut - vad som händer på scenen. Och han [hade] en spontan otrolig linje som kunde visa strukturen på något, och ändå [hade] det sin egen kalligrafiska känsla. ”

Resurser:

  • Rembrandt's Journey: Painter, Draftsman, Etcher, av Clifford S. Ackley (MFA Publications, Boston, Massachusetts)
  • Ritningarna av Rembrandt och hans skola, vol. Jag av Jeroen Giltaij (Thames Hudson, New York, New York)
  • Ritningar av Rembrandt och His School, Vol. II, av Jeroen Giltaij (Thames Hudson, New York, New York)

Charles Le Brun

Med en fot i både den klassiska och barocka eran var Charles Le Brun (1619–1690) en konstnär som fick framgång tidigt och hade de politiska färdigheterna att förbli en dominerande figur i den franska domstolen och Académie tills mycket sent i livet.

Le Brun var student till Vouet och en vän till Poussin, och hans kompositioner byggdes på grundläggande, enkla massor, som i klassisismen. Och ändå kunde hans figurer borsta med barockkonstens energi, som visas i den serpentinformen i Slurvigt för Mucius Scaevola Innan Porsenna.

Le Brun gjorde mer än någon annan för att etablera en homogen fransk konst i tre decennier på 1600-talet. Han åstadkom detta genom både politik och målning - Le Brun grundade den franska akademin i Rom och vid 1660-talet antogs varje betydande kommission hans för att ta.

De två ritningarna som visas i detta avsnitt illustrerar ably hur Le Bruns stil pragmatiskt förändrades med tiden - med både konstnärlig och materiell framgång. ”En bild visar den enkla uppfattningen av alla former, väldigt balanserad och poserad som en Raphael; och den andra visar en figur som kämpar så hårt, ”undrar Rubenstein.

"Även utan indikationen på det lik, som denna siffra lyfter, känner vi hur mycket han måste göra för att hålla upp denna tungvikt." Le Bruns säkerhet med ritinstrument var legendarisk; en myte hävdade att denna son till en skulptör började rita i vaggan.

Resurser:

  • Charles Le Brun: Första målare till kung Louis XIV, av Michel Gareau (Harry N. Abrams, New York, New York)
  • The Expression of the Passions: The Origin and Influence of Charles Le Brun`s Conference sur l’expression générale et particulière, av Jennifer Montagu, (Yale University Press, New Haven, Connecticut)

Edgar Degas

Omvandlingen för en föredragande från att rita snäva, detaljerade former till lösare, mer gestala linjer är vanligt, men dessa exempel visar att denna utveckling i Hilaire-Germain-Edgar Degas (1834–1917) är en särskilt naturlig.

Skönheten bebor båda verken, även om en typisk tittare kanske inte associerar båda bitarna med en konstnär. "Han försökte klämma fast figuren i sina tidiga ritningar," förklarar Rubenstein, "och i de senare ritningarna lossade han den."

Degas 'muse var ballerina och dansens rörelse och rörelser krävde fria, gestala skisser. Rubenstein påpekar att även i snabba skisser, som Study of a Dancer in Tights, Degas visar sitt geni för komposition - knäna berör nästan kanterna på papperet, och de negativa formerna som formas av dansarens lemmar skapar en kraftfull design. Skönheten i den spontana kompositionen förräder årens erfarenhet bakom denna studie.

Resurser:

  • Degas and the Dance, av Jill DeVonyar och Richard Kendall (Harry N. Abrams, New York, New York)
  • Edgar Degas: Life and Work, av Denys Sutton (Rizzoli International Publications, New York, New York)

Vincent van Gogh

Bortsett från att vara den prototypiska svältande konstnären, var Vincent van Gogh (1853-1890) en jordmor för födelsen av abstrakt konst, vilket framgår av hans Vild vegetation. Som målare är han känd för sin livliga och djärva färg, men riskerna han tog med komposition är kanske lika ansvariga för hans rykte. För lådor är van Gogh också viktig för sin märkning.

"Van Gogh utvecklade ett otroligt ordförråd med vasspennan", säger Rubenstein. ”Han [skapade] ett språk, med alla dessa olika slags märken: prickar, streck, lockar, långa rader och korta linjer. Men eftersom han [var] i sådan kontroll, [det] var meningsfullt. Han [gjorde] rytmer. Naturen har inte dessa märken. ”

Jämförande Pollard Björkar till Vild vegetation visar den holländska konstnärens tillväxt från representativt till nästan helt abstrakt. Övergången syns i mindre utsträckning i porträttet Zouave, där huvuddelen av ansiktet avbildas med en slags pointillism medan specifika drag, såsom näsan, är utformade med klassiska linjer. "Det är ett mycket personligt språk han [kom] på," kommenterar Rubenstein. "Men själva markeringarna är fascinerande."

Resurser:

  • Vincent van Gogh: The Drawings, av Colta Ives (Metropolitan Museum of Art, New York, New York)
  • Van Gogh: Master Draftsman ,, av Sjraar van Heugten (Harry N. Abrams, New York, New York)

Egon Schiele

Den österrikiska födda Egon Schiele (1890–1918) var en dandy som var täckt av bohemiska kläder, en förmodad pornograf, en bestämd narcissist och en av de mest provocerande och singulariska författarna i modern tid.

"Jämfört med, säg Rembrandt, finns det inte mycket räckvidd," säger Rubenstein. ”Men du vet alltid om något är en Schiele. Hur händer detta? Det är värt att tänka på. ”

"Alla överdrift är fundersamma," fortsätter Rubenstein. ”Hans snedvridningar är på pengarna - intrycket av en höft, svällningen i hacket, en linje som helt klart är hamstrings. Förvrängningarna är baserade på mycket exakta anatomiska landmärken. Det är vad som gör dem så oroande. Det och det faktum att skelettet ofta är mycket närvarande. ”

Schiele var malignerad för några av sina uttryckliga teckningar av mindreåriga flickor, men avskedandet av all hans erotiska konst kan vara ett misstag. Rubenstein påpekar att inte alla kan uppnå erotiken framgångsrikt. Schieles konst utmanar inte bara sitt ämne utan också i positionerna för hans ämnen, de vandrande linjerna som vibrerar av spänningar och de livliga färger han använde.

”Titta på det röda bredvid det gröna som går igenom figuren i Kämpe, ”Observerar Rubenstein. "Det talar om något otänkbart."

Eitel-Porter instämmer i, "Hans användning av onaturliga färger och hans gestala tillämpning av färg, med synliga streck för att betona uttryck, skiljer Schiele."

Resurser:

  • Egon Schiele: The Complete Works, av Jane Kallir (Harry N. Abrams, New York, New York)
  • Egon Schiele: Ritningar och akvareller, av Jane Kallir (Thames Hudson, New York, New York)

Käthe Kollwitz

Käthe Kollwitz (1867–1945) såg mycket lidande och skildrade det med en empati som sällan rivaliserade. Hennes man var läkare för de fattiga i Berlin, vilket troligtvis spelade en roll i hennes socialistiska sympati.

Att förlora sin son under första världskriget fick en lång depression. Hon förlorade också ett barnbarn under andra världskriget. Som ett resultat slår hennes hjärtskärande bilder av mödrar som gråter över avlidna spädbarn ett resonerande ackord.

"Och hon var en så stor föredragande," säger Rubenstein. ”Kollwitz kunde göra så mycket med enkla former. Här kan det vara några få otäcka märken som betyder hår; och sedan - boom, du är nitad direkt i det ögat med några starka linjer. ”

Kollwitz var främst en grafisk konstnär och begränsade sitt arbete till stor del till svartvita bilder. "Hennes djärva, grafiska stil återspeglar de underprivilegieras enorma mänskliga smärta och lidande," kommenterar Eitel-Porter. "Det är grunden för hennes ämne. Världen som hon skildrar är dolda i skugga; bara sällan introduceras färger. "

Echoes Rubenstein, ”Med sådan enkelhet, med en sådan ekonomi av medel kommunicerade hon stor sympati. Hon kunde göra ett otroligt mänskligt uttalande med bara bränt trä [kol] på papper. ”

Resurser:

  • Katalog över det kompletta grafiska arbetet för Käthe Kollwitz, av August Klipstein (Oak Knoll Press, New Castle, Delaware)
  • Käthe Kollwitz Drawings, av Herbert Bittner (Thomas Yoseloff, New York, New York)

* Artikelbidrag av Bob Bahr

***

För fler rittips, instruktioner, expertinsikter och inspiration, kolla in tidigare frågor omTeckningtidskrift.


Titta på videon: The Molecules of Life (Augusti 2022).